Em exibição: Edvard Munch no Clark Institute

A natureza irradia, vibra, muda. Ele canta, balança e dança. Duas exposições no Clark Institute iluminam esta alegria e complexidade através das interpretações fenomenológicas de Edvard Munch (1863-1944) e da sua relação íntima com a natureza, bem como de oito “posições” de artistas contemporâneos que reflectem sobre o Antropoceno.

Metade das obras de Edvard Munch se relacionam com a natureza, mas ele não é amplamente conhecido como paisagista. O Instituto Clark aborda essa percepção equivocada em uma nova exposição oficial, “Trembling Earth”, que centra os anseios duradouros de Munch com mais de setenta e cinco pinturas, gravuras e desenhos que funcionam como diários visuais.

“Isso me lembra como vejo o mundo quando estou doente”, disse um visitante. Ele estava doente, mas Munch tem muito mais do que desordem e estranheza. Sua aguda consciência da potência da natureza pode ter induzido uma visão e uma experiência alteradas — algo que é fascinante.

Em “Trembling Earth”, a natureza de Munch ferve e suas cores, texturas, estações e folclore são profundamente vivenciados pelo artista cosmopolita que visitou e viveu nas fervilhantes capitais artísticas de Paris e Berlim, mas permaneceu enraizado em pequenas cidades norueguesas como Åsgårdstrand, Ekely, Kragerø e Hvitsten.

Estes locais inspiraram grande parte da sua arte numa época em que a industrialização, as descobertas científicas e as teorias filosóficas se envolviam numa relação evolutiva com o mundo natural e o nosso lugar nele.

Munch, um artista culto e curioso por ideias, conectou-se com os princípios do pensador alemão Ernst Haeckel (1834-1919), que defendeu a noção de um mundo evolutivo composto de espírito e matéria. Ele representa a sua adesão ao monismo – a crença de que tudo é um, a vida é tudo e, portanto, interligada – num desenho de 1930 que mostra três círculos de energia concêntricos empilhados uns sobre os outros. No fundo, uma terra trêmula impulsiona as demais.

“O solo da terra ansiava pelo ar”, escreveu Munch aforisticamente. “Tudo está vivo e em movimento.”

Munch questionou a natureza da natureza. Convocando a atmosfera dos contos de fadas e das tradições folclóricas de Grimm, as florestas são reinos assombrados e misteriosos. Vemos isso em Filhos da Floresta (1901-1902), A Floresta Mágica (1919-1925) e A Floresta dos Contos de Fadas (1927-1929), que retratam as florestas como mundos secretos e impenetráveis, com personagens humanos e não-humanos. Árvores e céus perenes e oníricos defendem as formas mutáveis ​​​​das chamas.

Munch também reconhece o sublime, uma força magnética revelada em The Yellow Log (1912), uma composição hipnotizante de profundidade e vibração que nos convida a considerar a diferenciação, bem como o tempo cíclico – crescimento, decomposição, morte. O espectador entra na pintura como se fosse o interior de uma nave, observando a textura das cascas das árvores realçadas com detalhes em escala.

A natureza é um lugar de nutrição e abundância simbólica (Fertility, 1899-1900), mas também de silenciosa desolação. Estas qualidades distintas tendem a desaparecer e a fundir-se; a natureza, como o trabalho de Munch, evita uma categorização estrita. O que Munch faz é capturar o limite de um movimento contínuo através de redemoinhos e ondulações determinadas, pinceladas esculturais, matéria orgânica de sua prática ao ar livre e uma lente distorcida que se eleva.

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Munch é um mestre da liminaridade vívida que é exaltada em infinitos luares que se fundem no mar como a cera de uma vela incandescente, pedras totêmicas da praia, sóis difratados, noites sombrias de inverno e sua engenhosa combinação de tons. O romancista Karl Ove Knausgård, também norueguês e fervoroso admirador de Munch, fala de sua “fisicalidade da cor” em um livro dedicado ao artista. O resultado é único, cor e textura convergem num canto de adoração e tristeza.

A impressionante gama visual apresentada no espetáculo lembra a abordagem singular de Munch; ele foi o pioneiro do expressionismo (Spring Ploughing, 1916) e incluiu cenas oníricas proto-surrealistas, bem como toques impressionistas. A curvatura perturbadora, desestabilizadora e vertiginosa de O Grito permeia o espetáculo e revela uma sensibilidade complementar.